Tosa, quien estuvo en Colombia en el evento Pabellón 2023, dialogó con PUNTOS acerca de las máquinas sin sentido, los retos y las oportunidades frente a los avances de la tecnología y sus exhibiciones alrededor del mundo.

—¿En qué consisten y cómo surge la idea de las máquinas sin sentido?

—Cuando yo era niño, me gustaba mucho dibujar y quería ser pintor, es una parte artística con la que nací. Además, mi papá era ingeniero y la planta de producción de la compañía en la que trabajaba quedaba en el primer piso de la casa, mientras nuestra familia vivía en el segundo. Eso me permitió crecer en el ambiente de la planta y estar familiarizado con todo lo que esto conlleva, especialmente el sonido de las máquinas. Entonces crecieron dentro de mí el gusto y el interés por la ingeniería.

Con el tiempo, logré fusionar estas dos pasiones en la música computarizada. Cuando iba al colegio me gustaba tocar instrumentos, sobre todo batería, y formé con mi hermano mayor un grupo musical. Luego, ya en la universidad, aprendí a expresar mi parte artística a través de ingeniería. Quería demostrar o reproducir la vida a través de las máquinas. Pero esto me llevó a una contradicción:

La vida evoluciona con el entorno, sin un sentido, mientras las máquinas no evolucionan, tienen una lógica específica, un sentido común.

Creé máquinas que se parecieran a la vida: máquinas sin sentido (nonsense machines). Así fueron naciendo algunos de mis instrumentos.

—Sus creaciones a menudo tienen un toque de humor y de sorpresa. ¿Qué papel juega el humor en su trabajo y cómo influye en la reacción de la audiencia?

Yo nací y crecí en la zona oeste de Japón, en una región llamada Kansai. Allí, en la base de la comunicación se encuentra la risa. Y lo que más me atrae dentro de los distintos tipos de risa no es la que ocurre cuando uno mira algo gracioso, sino la risa que se genera cuando miras algo sin sentido.

Yo crecí con la risa. La risa hace fluir más la comunicación

—¿Cómo percibe las diferencias culturales en la recepción de su trabajo y en su relación con la audiencia internacional?

—He encontrado que, sin importar el país, cuando un ser humano ve una máquina que no tiene vida le genera temor. Pero esa sensación de temor o susto se puede aprovechar para crear arte. Y, también, en mi presentación utilizo máquinas y estas no hablan, por lo tanto no hay diferencias de idioma y se crea un lenguaje común.

—En el actual y rápido panorama tecnológico en evolución, ¿cómo incorpora los avances tecnológicos en su trabajo y cómo anticipa el futuro de su arte?

—Cualquier tecnología para mí es como un pincel. Cuando uno dibuja necesita más pinceles. Entonces si hay nuevas tecnologías, yo las aprovecho como un instrumento para crear cosas nuevas. Con la inteligencia artificial, mucho arte podría perder su valor y su sentido.

La IA no es  algo negativo, la espero ansiosamente porque sería el punto de partida de nuevas formas arte.

¿Tiene algún consejo para jóvenes artistas, ingenieros o creativos en esa intersección de la tecnología y el arte?

Con tantas tecnologías, hoy, con tantas respuestas fáciles y rápidas, muchas veces no creamos sino que escogemos. Pero eso no es creación de arte. Les recomiendo crear desde cero, hacer una dieta de información.

Uno necesita enfrentarse y mirar dentro de sí mismo para que lo que salga de ahí se convierta en obra. Puede que no sea bonito, pero luego se va perfeccionando. Es la esencia de la creación.

* Pabellón 2023 se realizó en octubre en Bogotá, en la Universidad de los Andes

Sus robots cantan, generan música e inspiran un cruce de caminos entre la tecnología, la inteligencia artificial e hilos profundos de la creación artística. Aquí, Nobumichi Tosa en Bogotá, en Pabellón 2023. Foto Daniel Álvarez

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—Siendo arquitecta, ¿qué la llevó a trabajar con robots?

—Fue por accidente. Cuando estaba en la escuela de arquitectura, los robots empezaban a entrar en este campo y ampliaban los límites de la imaginación. Encontré un robot en un sótano, pero nadie sabía cómo usarlo, y lo interesante de una herramienta genial en una situación así es que uno nunca aprende lo que —se supone— no debe hacer con ella. Así que lo toqué, lo tuve cerca, interactué con él… Encontré esta nueva área de especialización que nadie estaba buscando.

Todo el mundo estaba pendiente de lograr la automatización en esta herramienta, pero yo buscaba la interacción. Pensaba, con mi formación de arquitecta y mis sensibilidades, cómo la gente se mueve a través del espacio, cómo incrustar ese concepto en el interior de una máquina así. El robot tienen cuerpo y coexistimos en el espacio.

—Suele mencionar su misión de vivir en el futuro, ¿qué significa esto?

—Pienso eso de mí misma.

Me han llamado arquitecta, artista, científica o ingeniera, pero me considero una exploradora del tiempo. Busco vivir en el futuro y explorar posibilidades.

—¿Cómo enfoca el diseño de estas interacciones entre robots y humanos para que sean más intuitivas o atractivas para diferentes comunidades o culturas?

—Ese es mi aporte desde la arquitectura a la robótica, conseguir que interactuemos con estas máquinas, pero no a través de un ordenador sino como hablamos con cualquier otra criatura viva. Ya sabes: tus equipos, tu conexión espacial con las cosas a tu alrededor… ¡Siempre estás leyendo qué pasa y siempre proyectas tus pensamientos internos a través de tu cuerpo y del espacio! Y tenemos herramientas que nos permiten leer eso y codificarlo, que pueden transmitir ese conocimiento a las máquinas en ese mismo espacio.

—¿Cómo están programados sus robots?

—Tienen sensores incrustados en el ambiente y los sensores saben identificar cómo se debería ver una persona, cómo es el esqueleto, dónde están la cabeza, las manos, las caderas, etc…

Normalmente cuando se programan robots, se les dice: ‘haz esto, ve a allá, deja de hacer esto, regresa, etc’. Yo les doy un área por donde se pueden mover como quieran. Les permito existir, estar vivos. Y cuando alguien se acerca, eso los estimula y los atrae o los repele, les despierta curiosidad o emoción. Es una manera no de controlarlos y darles órdenes sino de coexistir. Se trata del mismo hardware y la misma tecnología de cualquier robot, pero invertida para una experiencia más poética.

—¿Alguna vez se ha sentido intimidada por un robot?

—Claro que sí. Son intimidantes, enormes. Podrían aplastarme. Pero eso es parte de lo divertido de la experiencia. Te sientes como si estuvieras frente a un león, un oso u otro animal muy grande. Y ahí es donde aprovecho mi formación como arquitecta:

Hago todo lo que puedo en los entornos físicos para que sean lo más seguros posible sin que las personas sientan la barrera. Hay capas de seguridad para poder tener una experiencia mágica sin preocuparse por lo técnico.

Parece esconderse detrás de un ojo gigante, pero no: Madeline Gannon, aquí, con el robot Dos círculos, una enorme mirada que te sigue por un espacio. Foto: Madeline Gannon — Atonaton

—¿Cuál es la motivación principal detrás de la búsqueda de esta conciencia en los robots?

—Hay una motivación externa y una interna. La motivación externa es vivir en el futuro, ver si puedo pararme en el borde de lo posible y qué nos espera, hacerlo realidad e informar a lo que podría ser. La motivación interna es lograr algo increíble: siento la responsabilidad de explorar, unir espacio y máquina; me encanta el trabajo de la robótica arquitectónica y de la robótica en general, pero ¡hay tanta gente que ya puede hacerlo! Debo encontrar algo en lo que solo yo puedo contribuir para empujar en una dirección ligeramente diferente a todos los demás.

—Las películas y los libros muestran muchas veces un futuro temeroso frente a los robots y el futuro. ¿Hay riesgos en la búsqueda de la conciencia de las máquinas?

—El desafío de los artistas con la tecnología es encontrar el antídoto a lo distópico, al pesimismo, a lo que tememos. Esos mitos se remontan a través de las culturas, a través del tiempo y se apoderan de las personas. Es un arquetipo común en la narración y allí hay muy buenas lecciones para aprender. La robótica necesita más poetas porque necesitamos nuevas narrativas. Narrativas que nos guíen, que puedan ser esa estrella hacia el futuro. No estamos huyendo de lo que no queremos, nos movemos hacia lo que queremos.

—¿Ha visto diferencias entre culturas sobre cómo perciben a sus robots?

—En todas las culturas la gente tiene miedo a estas máquinas, especialmente a los robots que yo utilizo porque son de fábricas y son un símbolo de nuestros temores, de todo lo que Hollywood y las películas refuerzan. Por eso hay un escepticismo general y ansiedad. Mi trabajo busca que se maravillen con el tiempo en el que vivimos, esa es mi ambición.

—¿Cómo será la relación entre humanos y robots?

—Está por definirse. Espero muchas direcciones diferentes, desde un rol de compañía, asistencial, entre otros. Incluso, en casos para personas en silla de ruedas o con alguna discapacidad, podrán ser extensiones de su cuerpo en donde no se piensen el robot y el humano por separado, sino como un conjunto. Hay una enorme gama de oportunidades.

Con suerte, en el futuro cercano, artistas, diseñadores o arquitectos podrán definir caminos más placenteros más allá de la ingeniería.

—¿Deben los profesionales del futuro pensar en una arquitectura que integre los robots?

—Los robots van a entrar en nuestro espacio, aún si los arquitectos no piensan en ellos. Así que hago exposiciones en contexto cultural —no en el de la investigación— para inspirar reflexiones sobre cómo un artista o un poeta piensan su relación con la tecnología, que es muy diferente a la manera en la que un ingeniero lo hace. La tecnología se cruza con la sociedad, por eso yo espero mostrarles a las personas que es más accesible de lo que pensamos,. Es como aprender un nuevo idioma. Y una vez esto se aprende, es posible cambiar la manera de ver el mundo.

La domadora de robots en acción. Aquí con el robot Quipt. Cuenta con un software de control basado en gestos. Foto: Madeline Gannon — Atonaton

* El evento Pabellón 2023 se llevó a cabo en Bogotá, en la Universidad de los Andes. Además de la diseñadora Madeline Gannon estuvieron la arquitecta Cazú Zegers, el arquitecto Giancarlo Mazzanti, el artista Gabriel Barcia-Colombo y la Unidad artística Maywa Denki. Pulsa para saber más

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Aquí, durante el evento Pabellón 2023 en Bogotá, Cazú Zegers describe su trabajo junto al lago Sarmiento en la Patagonia chilena y su vínculo con el paisaje para el Hotel Tierra. Foto: Daniel Álvarez

Zeguers quiere expresarle al mundo lo que América Latina tiene.

Embajadora de Marca Chile (2018), es profesora visitante de la Universidad de Yale. Sus obras han ganado el Grand Prix de Versalles, el Premio National Geographic Unique Lodge of the World y el Gran premio Latinoamericano de Arquitectura (1994). En Bogotá, durante Pabellón 2023 —la conferencia organizada por la Universidad de los Andes, esta arquitecta habló de su proceso creativo*.

—¿Hay alguna característica particular en la arquitectura latinoamericana?
—Latinoamérica tiene algo que decirle al mundo y es esta postura de baja tecnología en la que se aprende de los procesos locales. Lo llamo habitar en forma leve y precaria. Es entender que nuestro patrimonio es el paisaje y también lo son las culturas originarias, darles valor sin repetir los modelos de otros países (con otras situaciones culturales y territoriales)… entender que lo nuestro es bello y es poderoso. Por eso hablo de mestizaje, porque al final el aprendizaje genera algo nuevo.

No se trata de imitar lo antiguo, de quedarse en lo vernáculo, sino de cómo, desde ahí, genero lo nuevo con identidad propia. Propiamente latinoamericana.

—¿Y estamos todavía en esa exploración?
—Lo estamos, pero ya uno ve más manifestaciones y el mundo está valorando qué pasa con Latinoamérica.

Latinoamérica y los habitantes del Pacífico —donde todavía hay muchas culturas indígenas originales, con sus lenguas y cosmovisiones— van a liderar este nuevo paradigma cultural en el que se habla de la tierra.

Estamos pasando de un sistema egocéntrico de desarrollo y de habitar, a uno ecocéntrico donde el hombre es parte de este sistema complejo de interrelaciones.

—Cuando llega al terreno de un proyecto, ¿qué mira, qué quiere percibir de ese espacio?
—Siempre llego como ‘desnuda’, sin prejuicios, sin ideas preconcebidas. Es la metodología de la plaza Rombo: uno es un observador con un campo de visión que son unos arcos y que porta la orientación en sí mismo y establece relaciones con el lugar. Eso, más el dibujo, al tener que pasar de un espacio tridimensional a una hoja bidimensional, va eligiendo los elementos presentes en el lugar; eso no pasa por la cabeza, lo llamamos un golpe de mirada, va del ojo a la mano, es directo. Entonces aparecen atributos imposibles si yo fuera con una idea preconcebida.

—¿Cómo se expresa en su obra ese habitar leve y precario?
—Lo leve es lo esencial, habitar con lo esencial. En Latinoamérica, con estos grandes monumentos naturales, no necesitamos más. Cómo me pongo en relación con el territorio, entonces, de manera discreta, de manera no egocéntrica, sino ecocéntrica, en la cual el hombre es un elemento más del lugar y entra en diálogo.

No me interesa una arquitectura gravitacional ni pesante ni grandilocuente, sino una arquitectura discreta y ágil, veloz y que también está hecha para desaparecer. Que se vuelva un elemento más: cumple su tiempo y se deshace (pulsa el video para verla precisar estas ideas y conocer otras de sus obras).

—¿Por eso trabaja tanto con madera?
—También porque la madera es como Chile, un país de vocación maderera, donde se hicieron las grandes capillas de Chiloé, patrimonio de la humanidad. Los sacerdotes jesuitas de la conquista ganaron este territorio y venían con el imaginario europeo de iglesias hechas en mamposterías y en piedra en Europa. Las tradujeron, sin embargo, a la madera con los carpinteros indígenas y generaron estos elementos únicos. A eso me refiero yo cuando hablo de patrimonio cultural y de trabajar con lo que está en el lugar y con el conocimiento ancestral.

—¿Un aprendizaje que atesore de su trabajo con las comunidades?
—Todo. Para mí, las comunidades son un libro abierto, un campo de exploración. Me conmueve su manera de hacer y de entender y de vincularse al lugar y de no desbastar, sino de vincularse de manera sustentable y sostenible.

Ese es el mayor aprendizaje de las comunidades; la relación de respeto y amor con la tierra como un ser vivo y con los seres no humanos con los cuales cohabitamos.

(En el video, la Casa LLU, del estudio de Cazú Zegers, en la región de los ríos en Chile):

(En este enlace de Archdaily.com, trazos donde se evidencia la aproximación al entorno y una descripción realizada por el equipo del proyecto Casa LLU

*Esta entrevista fue editada por extensión y claridad.

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