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PARA VER

Estreno: 2026

Sinopsis: A lo largo de trece años, un documentalista sigue las historias de cuatro familias colombianas, enfrentando tanto sus luchas como sus propias memorias. Desde dos niñas campesinas que sueñan con un futuro mejor hasta una madre de Gramalote quien, tras perder su casa en un desastre natural, lucha por salir adelante con sus cuatro hijos mientras su hijo mayor sueña con ser cantante. El documental explora los desafíos de la movilidad social en uno de los países más desiguales del mundo. Revela el dolor, las esperanzas y los sueños de quienes buscan un futuro mejor a pesar de las adversidades.

Dirección y guion: Andrés Ruiz Zuluaga

Producción: Jorge Botero

Producción ejecutiva: Raquel Bernal, Alejandro Gaviria y Tatiana Andia

Productoras: Séptima Films en asocio con la Universidad de los Andes

Duración: 90 minutos

Género: largometraje documental

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"La confianza, aquí, parte de la inexistencia de jerarquías. Surge desde lo genuino, sobre la confianza y el reconocimiento mutuo, incluso desde el buen humor", me explica mientras enfoco con la lente de mi cámara.

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Para la niña protagonista de la novela gráfica Un crisantemo en el Caribe, la aventura comienza en un día de tedio. En la televisión no pasa gran cosa hasta que, en un noticiero, ve una imagen de una de las tazas que su abuela guarda en los estantes de su casa en Cartagena. ¿Por qué esa taza está en televisión? ¿Por qué su abuela tiene un objeto que, en teoría, debería estar en las profundidades del océano? Esas son las preguntas que se hace la niña, a la que su abuela llama Bolita de tamarindo o alegría de coco, o cualquier otro apodo que haga referencia a los dulces de la costa colombiana.

Las imágenes de la tacita en el fondo del mar fueron también las que inspiraron a Manuel Salge Ferro y a Daniel Aguilar Rodríguez a escribir e ilustrar, respectivamente, Un crisantemo en el Caribe, la novela gráfica de Ediciones Uniandes (121 páginas) que contó con el apoyo del Instituto Confucio de la Universidad de los Andes. 

Viñetas de Un crisantemo en el Caribe.

La trama avanza impulsada por la conversación apasionada de Pipa —la abuela, una arqueóloga excéntrica inspirada en la primatóloga Jane Goodall— y la curiosidad desbordante de su nieta. Juntas reconstruyen el viaje de una vajilla moldeada en los hornos imperiales de Jingdezhen, China. Es una odisea que transporta al lector desde Manila, cruzando el Pacífico y atravesando México a lomo de mula, hasta enfrentar el peligroso trayecto hacia Cartagena bajo un persistente "olor a pólvora en el aire" que vaticinaba el acecho de la armada inglesa. 

El libro ofrece distintos niveles de lectura: tiene rigor histórico y científico, pero la niña protagonista se asegura de que la abuela no se pierda en las ramas de la historia y llegue, por fin, a explicar cómo terminó esa tacita en el fondo del mar colombiano. En el caso de los autores, fueron sus propias hijas y familiares quienes ayudaron a equilibrar una historia divertida con el rigor histórico. 

“Bienes producidos en Asia eran comerciados a través de esa ruta y llegaban a la Nueva España a través de ese Galeón de Manila. Y de vuelta también materias primas muy preciadas y sobre todo la plata americana, la plata incluso acuñada ya en monedas de reales de ocho, que fue la que hizo que todo el imperio chino se unificara” – Manuel Salge Ferro. 

Viñetas de Un crisantemo en el Caribe.

Una novela gráfica que combina historia y arte 

El libro empezó a tomar forma a partir del interés de Salge por las piezas encontradas en el San José: una curiosidad que ha mantenido junto a arqueólogos, restauradores e historiadores. Doctor en Antropología y profesor de la Universidad Externado, Salge ha trabajado durante más de una década con colegas de otras universidades en artículos sobre la importancia del naufragio del galeón, emboscado por una flota inglesa en 1708. Cuando le habló con pasión de esas tazas a Daniel Aguilar, la novela gráfica empezó a cocinarse. 

Aguilar, doctor en Sociología, pero, sobre todo, amante de los cómics y el rock and roll, como se presenta en el libro, asumió el reto de ilustrar el guion que escribió Salge. 

“Yo decidí dejarme sorprender por la historia, iba dibujando mientras iba leyendo y me enteré del final de la historia cuando dibujé la última página”. – Daniel Aguilar Rodríguez. 

Es una novela gráfica que se lee a distintos ritmos. Uno frenético, con el parloteo de la niña y el relato de la abuela; y otro más pausado, donde las ilustraciones invitan a detenerse en trabajos dispendiosos y bellos, como la elaboración de las tazas. 

Daniel Aguilar Rodríguez y Manuel Salge Ferro.

Niños y adultos pueden aprender y disfrutar de la historia. Habrá momentos en los que toque explicar a los más pequeños algunos giros de la trama, pero las ilustraciones —que retoman el color de las tazas, un azul obtenido del óxido de cobalto— siempre están mostrando una acción, describiendo un paisaje o lanzando un comentario. 

“Se puede leer como un texto meramente histórico, para que un niño en un colegio aprenda más de finales del siglo XVII. También se puede leer como un cómic de aventura, de misterio, ir sumando fragmentos a una historia donde hay piratas, ratones, amor y romance”, comenta Salge. 

“Fue una investigación muy sólida, incluso también en los gráficos, por ejemplo, el apoyo del centro Confucio fue increíble”, dice Aguilar, recordando el acompañamiento del Instituto, que lo guio en temas de vestuario y periodos de la cultura china para no quedarse con una visión cliché desde Occidente.

Un crisantemo en el Caribe es un proyecto que muestra cómo los objetos cuentan historias, cómo empezó a conectarse el planeta y qué revelan esas conexiones sobre nuestra relación con otras culturas. Un ejemplo es el contacto con Asia, “Una conexión mucho más fluida de lo que solemos entender, mucho más fuerte de la que ha quedado en nuestros libros habituales de historia”, afirma Salge. Todo esto guiado por una impaciente niña de nueve años y su apasionada abuela. 

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Aunque Europa hubiera acuñado el concepto de república, la región todavía vivía bajo monarquías, mientras que en Latinoamérica se estaba poniendo en práctica la construcción de la democracia y de un sistema republicano, lo que el historiador James E. Sanders lo denomina: la modernidad republicana de América.

Sanders, doctor en historia y estudios latinoamericanos por la Universidad de Pittsburgh, describe este periodo en su libro La vanguardia del mundo, que llega al país gracias a la traducción de Ediciones Uniandes y el Fondo de Cultura Económica. El estadounidense descubrió las particularidades de ese periodo mientras investigaba en los archivos de la Biblioteca Nacional de Colombia, donde consultaba periódicos del siglo XIX para analizar la relación del Estado con las tierras de comunidades campesinas, negras e indígenas.

En los recortes de prensa, comenzó a percibir el conocimiento político y la esperanza que ponían las comunidades en su propia voz y en la representación de los partidos políticos. “Ellos estaban utilizando un discurso de republicanismo, de ciudadanía, de libertad, de igualdad, de fraternidad, para conseguir esas metas”.

Por ejemplo, en los registros encontró huelgas contra los impuestos al aguardiente, algo que la legislatura estatal derogó más tarde. En periódicos como El Neogranadino de Bogotá se leían apuntes como “No estamos detrás sino delante del movimiento de civilización universal”, o en La Unión de Popayán se publicaban artículos donde se afirmaba que Colombia estaba a la vanguardia ya que se establecía que “la voluntad del pueblo” era superior a otros poderes y se eliminaba en la sociedad la “jerarquía” de la raza o cualquier otro “elemento de represión”.

Históricamente, Latinoamérica ha mirado hacia Europa buscando un modelo, pero en esos 30 años el ejemplo eran países como Colombia.

"La democracia y el republicanismo representaba el futuro, al tiempo que la monarquía significaba el pasado” – La vanguardia del mundo, James E. Sanders.

James E. Sanders presentó la traducción en la Filbo 2026.

Civilización o barbarie

El profesor de la Utah State University recuerda la tesis del libro clásico de Domingo Faustino Sarmiento, Facundo, donde se expone que la modernidad y la civilización provienen de la ciudad y de Europa, mientras la barbarie sale del campo americano. La propuesta de Sarmiento era imitar a Europa para buscar la anhelada modernidad.

Latinoamérica era vista como un conjunto de “repúblicas de farsa, bufas, un fraude. Aunque (Europa) tenían la forma de la república, sin embargo, solo la fachada”, dice Sanders.

Pero la modernidad política que definió a Latinoamérica en el siglo XIX no miraba a Europa. Aunque en América Latina inició como un proyecto de las élites, las demandas de los sectores populares incluían a personas de diferentes clases y se basaban en el universalismo: la idea de darle valor a la humanidad y derechos a la ciudadanía sin importar el origen de la persona.

Sanders leyó a los académicos que habían escrito sobre el periodo, pero teóricos como Marshall Berman veían el origen de la modernidad en el siglo XX y proveniente de Europa y Estados Unidos. Sin embargo, la prensa mostraba otra cara en la Colombia de mitad del siglo XIX, una más popular. “No eran escritores famosos, eran periodistas de Cali, Barbacoas, Popayán o Pasto. Provinciales. No eran tipos famosos, no eran verdaderamente ilustrados”.

“Yo leí el libro clásico de Jaime Hermigo Uribe como estudiante, es buenísimo, sin embargo, para esto no me interesa ese discurso de los letrados. Me interesan los discursos cotidianos de los pueblos, de las clases medias, como la gente estaba hablando sobre política en tabernas, iglesias, plazas, los zócalos de México y en las galleras”, James E. Sanders.

Poner la idea democrática en marcha

Sanders consultó los periódicos de la época para describir la construcción de la república en Colombia y México.

El profesor cree que no solo es importante el lugar donde algo se concibió o sucedió por primera vez, sino también donde ocurrió la evolución de esa idea.

“América latina había creado una nueva visión de modernidad no basada en la cultura europea”, dice Sanders, quien realizó la misma investigación en México para verificar si ocurría algo similar que en Colombia. Y así fue: la cultura democrática tenía éxito en la región.

Fue uno de los primeros lugares del mundo donde todos los varones podían ser ciudadanos. En Francia hubo un momento corto, de dos o tres años. En México, Colombia, Argentina y Venezuela, el concepto formaba parte de la cultura política y los ciudadanos buscaban hacerlo valer.

“Había una cultura de demostraciones, de peticiones, de asistir a las galerías de los legisladores para averiguar si los representantes estaban haciendo lo que los pueblos querían; de hacer huelgas, de hacer boycotts, de reunir en los guardias nacionales como ciudadanos soldados”.

¿Más democráticas que EE. UU.?

Estados Unidos se podía ver como una república modelo, aunque la esclavitud, la discriminación contra las comunidades indígenas y sus deseos imperialistas desilusionaban a los latinoamericanos, por ser contrarios al espíritu de la ética republicana.

Así que parte de la clase popular en Europa estaba mirando a América Latina para entender sus pasos en materia de republicanismo, democracia y derechos. “Ellos estaban convencidos de que América Latina era el maestro y los europeos los estudiantes”. La gran mayoría de las repúblicas en el mundo estaban en América Latina.

La caída del sueño

Esta modernidad vivida en América Latina, relacionada con la idea de civilización, de la libertad, democracia y universalismo, fue sustituida por la idea que muchos tienen de esa palabra actualmente, la cual se vincula más con la modernidad industrial de Occidente, con su foco en los avances científicos, tecnológicos, comerciales e industriales.

La idea de civilización cambió su enfoque. Los denominados liberales independientes en Colombia perdieron su fe en esa modernidad y decidieron imitar a Europa y los Estados Unidos, ahora económicamente. Para hacerlo era necesario restringir esta cultura de democracia.

Así que en la década de 1880 la visión de la modernidad se enfocó en lo económico y el poder estatal. Así terminó ese periodo, que fue corto, por lo que, como dice Sanders, para muchos estudiosos se ha vuelto una nota al pie de página.

La vanguardia del mundo de James Sanders.

Sin embargo, aunque la Regeneración en Colombia y el Porfiriato en México trataron de borrar esta historia, para el autor “se pueden ver los rasgos del periodo, en la construcción del país con sus reglas sobre la representación de grupos minoritarios, de indígenas o comunidades negras en Colombia. Todavía se pueden ver esos avances democráticos”.

Es cierto que los Estados latinoamericanos del siglo XIX tenían dificultades económicas, inconvenientes para el cumplimiento de las leyes y en la recaudación de impuestos, pero en ese periodo las diversas poblaciones (indígenas, mestizos, artesanos, campesinos) se entusiasmaron con la idea de la república y su papel como ciudadanos.

El trabajo de Sanders en La vanguardia del mundo describe un periodo corto pero profundo de la construcción de Colombia como nación. Pocas veces los países latinoamericanos se sienten orgullosos por sus avances en estos temas; por eso resulta sorpresivo el texto. Definitivamente, es un periodo en el que nos deberíamos sentir orgullosos de las ideas que predominaban en la ciudadanía sobre la construcción de país.

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Esa es la apuesta de la coreógrafa Tian Tian, quien, junto a estudiantes de la Academia de Danza de Beijing, la Universidad Normal del Noreste y la Universidad Normal de Tianjin, recrean la estética, la música y los códigos corporales de dos épocas que marcaron el alma de la civilización china: la dinastía Han (206 a. C. – 220 d. C.), que consolidó su identidad cultural, y la dinastía Tang (618 – 907 d. C.), recordada por su refinamiento artístico y su apertura al mundo.

Las coreografías toman como punto de partida vestigios del pasado: estatuillas de terracota, ladrillos funerarios, murales y pinturas clásicas que sirven como inspiración para imaginar y dar forma a un universo visual donde historia y tradición dialogan con el lenguaje escénico contemporáneo.

Fotos: Envato

“En un intercambio cultural, realizamos un taller con bailarines colombianos. Percibí una gran libertad en sus cuerpos y en la danza contemporánea, siento que hay muchos elementos que nos conectan”.

Tian Tian, coreógrafa

En la esplendorosa Chang’an, capital de la dinastía Tang, las damas aristocráticas adoptaron una nueva estética: túnicas de cuello redondo de amplias mangas en tonos marfil, ceñidas por cinturones de cuero. Este atuendo, conocido como Hu, fusionaba el exotismo de lo foráneo con la elegancia imperial. Una forma de vestir que cuenta historias de intercambio, de apertura y de asombro ante lo desconocido.

Pase de revista del desfile militar del rey de Qin

No hay palabra ni espada, pero cada paso resuena con la fuerza de un tambor de guerra. Las coreografías marcan la disciplina implacable de un ejército inmortal. Los guerreros, alineados como estatuas vivas, reproducen con asombrosa fidelidad la solemnidad del ejército de terracota del mausoleo del primer emperador de China, Qin Shi Huang. Durante siglos, estas figuras permanecieron ocultas bajo la tierra, dispuestas a proteger al emperador en la otra vida.

Un cierre en diálogo

En un ejercicio de aprendizaje mutuo, el intercambio cultural encontró su forma más plena sobre el escenario. Tras participar en un taller de danza china, bailarines colombianos y chinos compartieron escena en una creación contemporánea que fusionó tradiciones, movimientos y sensibilidades. Una coreografía nacida del diálogo, el respeto y la creación compartida.

Con esta puesta en escena, cargada de simbolismo, sensibilidad y rigor histórico, la Embajada de China en Colombia, el Instituto Confucio y el Centro Cultural de la Universidad de los Andes conmemoraron los 45 años de relaciones diplomáticas entre China y Colombia donde el arte continúa siendo uno de los caminos más poderosos para tender puentes entre culturas.

“La comprensión cultural entre China y Colombia es la base que fortalece los lazos de amistad entre nuestros pueblos”.

Zhu Jingyang, embajador de China en Colombia

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Por Lucas Ospina
Profesor del Departamento de Arte
luospina@uniandes.edu.co

Hay un video de trece minutos que muestro a los estudiantes de primer semestre que se aventuran a estudiar arte. Siempre les digo que se trata de una charla de una recién egresada (aunque es falso).

Al comenzar el video me gusta ver la cara de los estudiantes, ver cómo reaccionan a mi mentira piadosa. En el video habla Beatriz González, la artista que nació en Bucaramanga en 1932 y terminó estudios de pregrado en 1962, en Bogotá, en la antigua Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Es posible que ellos no sepan quién es ella, pero como a esa edad algunos prefieren la compañía de las abuelas y los abuelos a la de los padres y las madres, muchos de los estudiantes le prestan atención. Frase a frase, ese interés se mantiene, se renueva, se extiende; Beatriz González sabe contar historias, le gusta hacerlo.

Beatriz González, Roda en los Andes, Noviembre, 2012 de Arte Universidad de los Andes en Vimeo.

Año tras año, el efecto ha sido siempre el mismo: los estudiantes se reconocen en lo que Beatriz dice: ella deja de ser la “Maestra” y, décadas después, es una más entre ellos, con sus mismas ansiedades, dudas, risas, inquietudes y descubrimientos.

La charla es sobre Juan Antonio Roda, el artista español que trabajó durante catorce años como profesor y director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Roda murió en 2003 y el Departamento de Arte organizó una serie de conferencias en su honor.

El evento tenía un aire de institucionalidad culposa. A comienzos de los años setenta, bajo la Rectoría de ese entonces —la de Álvaro Salgado como rector y Hernán Echavarría como presidente del Consejo Directivo—, el arte fue expulsado de la universalidad del campus. Las directivas quisieron darles un escarmiento a los profesores y estudiantes que participaron en las protestas sociales que se incrementaron a partir de 1968, un gesto higiénico que pretendía eliminar el virus de la rebelión del cuerpo universitario.

Las directivas publicitaron el cierre del programa de Arte bajo un argumento económico falaz acompañado de un juicio estético —en un documento de circulación restringida se señalaba “el hecho de que casi ninguno de los egresados del programa ha alcanzado excelencia en el área respectiva”—. Esta voluntad profética, vertical y miope sería contrastada, 50 años después, cuando la misma universidad le dio a una de esas egresadas, Beatriz González, el grado de Doctora Honoris Causa en la ceremonia virtual de grados de este agosto del año del virus.

“Yo siempre decía que los papás ponían ahí a las niñas para que se casaran bien, eso era común y corriente, y de hecho se casaban muy bien, ¿no? […] Todas se levantaban a los principales economistas del país, de manera que era una buena inversión…”, dice la artista al comienzo de la charla y así traza un croquis irónico sobre el cuadro patriarcal y academicista de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. “La escuela no era nada, 90 niñas que bostezaban toda la clase [de Historia del arte] de Marta Traba, que eran clases maravillosas […], y al tercer año apareció Roda. La Universidad cambió”.

La curadora Carolina Ponce, en la publicación reciente de sus memorias, describe con precisión el modus operandi de González: “Con el tiempo llegué a celebrar sus audacias formales, su manera de subvertir los cánones estéticos validados por la historia del arte occidental; pero también su mirada crítica: su capacidad de ironizar, con malicia y fruición, los símbolos de clase de la ‘buena forma’ y el ‘buen gusto’. Sus obras asumían un desafío estético despiadado en contra de las pretensiones implacables del poder cultural, social y político bogotano. La obra pictórica de Beatriz González iba mucho más allá de una propuesta formal irreverente. Su estética era inseparable de su visión crítica”.

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Fabricados artesanalmente y decorados con colores fluorescentes, figuras de animales, dioses o superhéroes, son herencia que pasa de abuelos a hijos y nietos, un linaje sonoro y visual que se ha convertido en emblema costeño.  

William Gutiérrez Peñaloza, maestro en Artes Plásticas de la Universidad del Atlántico, los pinta desde los 14 años. Con más de seis décadas de vida ha intervenido cientos de ellos y conoce bien su simbología: “En la cultura picotera, la pintura es tan importante como el sonido. Cada picó carga con una identidad propia: un nombre que lo distingue, un eslogan desafiante —como ‘El artista, el que llena la pista’— y una imagen central que condensa fuerza, orgullo o memoria”, afirma.

En sus coloridas obras ha inmortalizado a Jimi Hendrix, Richard Clayderman, Joe Arroyo o a la reconocida banda Gorillaz. Gutiérrez combina referentes internacionales con figuras profundamente locales. Cada imagen se plasma sobre una malla llamada caña mazo, que deja pasar el sonido y al mismo tiempo sostiene la obra.

Estos grandes sistemas de sonido se protegen como un miembro de la familia, se remodelan una y otra vez y, como ocurre con los equipos de fútbol, generan pasiones y rivalidades entre sus seguidores. No es extraño que un picó pase del abuelo al hijo y luego al nieto, manteniendo vivo un linaje sonoro y visual que se ha convertido en emblema costeño. 

“Las personas que los tienen lo hacen, más que todo, por gusto a la música. Le invierten y le invierten, y a veces no tienen casa o no visten bien, pero eso sí, el picó se mantiene al día”, señala el artista.

El maestro William es reconocido como uno de los grandes exponentes del arte picotero en la Costa Atlántica.

Identidad sonora  

Pero los picós no solo se reconocen por su estética. También representan una identidad sonora. Así lo explica Edgar Benítez, antropólogo cartagenero, arqueólogo e investigador musical, quien además tiene un picó en Bogotá: el legendario Bajo Tierra.  

Según él, la tradición se remonta a mediados del siglo XX, cuando comenzaron a llegar a Colombia discos africanos y caribeños difíciles de encontrar en las emisoras locales. “Entre los años 60 y 80 se consolidaron como emisoras alternativas de los barrios populares. Allí sonaba música haitiana, jíbara de Puerto Rico, ritmos de Nigeria, del Congo o de Sudáfrica. Era una manera de tener cerca esa música que no estaba en la radio, de compartirla con la comunidad y de construir estatus al poseer discos exclusivos”. 

El compartir es, de hecho, un rasgo central de esta cultura. La música no se guarda: se abre a los vecinos en verbenas y carnavales. Con potencia. Y esto ha generado choques con las autoridades, que intentan regular horarios y decibeles, aunque, se podría decir, el picó es parte de la idiosincrasia en la costa Caribe . “El que tiene uno lo prende, sin importar si al vecino le gusta o no”, dice Gutiérrez. 

En lo tecnológico, estas grandes estructuras musicales han pasado de los vinilos a lo digital, y en los años noventa surgió el formato turbo, con cajas de bajos separadas que permitían mayor movilidad y potencia. Hoy conviven distintas corrientes: por un lado, los sistemas turbo que siguen programando música africana, salsa o jíbara, y por otro, los equipos digitales que difunden champeta urbana, el género nacido de esta tradición y que ahora conquista escenarios internacionales.

De la cuadra al mundo 

Lejos de apagarse con las nuevas generaciones, la cultura picotera se ha expandido. En Bogotá, barrios como Suba, Bosa o Ciudad Bolívar acogen colonias costeñas que mantienen vivos sus picós como una forma de resistir y reafirmar su identidad. 

Y, a veces, la tradición viaja aún más lejos. William recuerda el día que un DJ griego llegó a Barranquilla, mandó a construir su propio picó y se lo llevó en barco hasta Atenas. Semanas después, en una revista, vio la foto: de su obra sonando en una plaza, con la Acrópolis de fondo. “¿Cuándo iba a imaginar yo que un picó estaría en medio de las ruinas de Grecia?”, se pregunta entre risas.

La escena, improbable y poderosa, demuestra que esta tradición es arte y música capaz de cruzar fronteras, conectar culturas y recordar que, entre colores y sonidos, el Caribe también dialoga con el mundo. 

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La imagen hegemónica del hombre fuerte y tosco ya no es el único modelo en muchas sociedades. Ahora hay perfiles que buscan equidad, respeto y sensibilidad, adoptando comportamientos y tareas históricamente femeninas. Pero más allá de los nuevos roles o liberación de los sentimientos, hay una pregunta de fondo: ¿Realmente nos acercamos a una paridad de género? Especialistas en la materia dicen que esas nuevas masculinidades pueden estar simplemente maquillando la desigualdad histórica. 

El feminismo: cuestionar los roles 

El Ph. D. José Fernando Serrano, profesor de la clase Poder genero y sexualidad en la Universidad de los Andes, habla de las masculinidades partiendo del feminismo. Señala, entre otras cosas, que este movimiento o corriente de pensamiento ha sido una reacción a la forma en que las sociedades se han organizado priorizando un dominio masculino. 

En estas dinámicas necesariamente se habla de interacciones entre los géneros –más allá de las románticas–, en las que hay una mutua dependencia y afectación. El problema es cuando las sociedades no reparten las mismas cartas para nivelar costos y beneficios en los roles de esas relaciones. 

“Las mujeres han logrado a través de los feminismos y de diferentes procesos de politización, reconocer las cosas que han vivido, denunciar las iniquidades, pero no ha habido un proceso equivalente de reflexión en el caso de los hombres sobre sus condiciones de privilegio, sobre cómo somos parte de ese sistema y lo que eso implica”, dice Serrano. 

Pero ha empezado a darse esa reflexión y los estudios de masculinidades surgen como una continuación de preguntas del feminismo, con las que algunos hombres intentan mostrar roles y comportamientos que culturalmente han estados relacionados con el género opuesto. Pero para Serrano hay el riesgo de que se quede en lo cosmético, impulsado por las redes sociales, porque la brecha mundial de género sigue abierta en el mundo.
 

Viralidad Vs Cifras

Los hombres hoy tienen múltiples formas de relacionarse con las mujeres, pero ¿qué tanto se avanza en la paridad de género?

El Foro Económico Mundial, anualmente lanza el Índice Global de Brecha de Género que evalúa el estado y evolución de la paridad en cuatro dimensiones clave: participación y oportunidades económicas, logro educativo, salud y supervivencia, y empoderamiento político. Indicadores que de igualarse llevarían a un cierre de brechas de género contundente. 

Entre los países con mayor paridad están los nórdicos (Islandia y Finlandia), le siguen los escandinavos (Noruega y Suecia), el quinto es Alemania. Colombia ocupa el puesto 45 en la edición de 2024. 

Según el informe, de seguir la tendencia actual, el mundo tardaría 134 años para alcanzar la paridad

Por eso Serrano prefiere apuntar a esas cifras para no llevarse a engaños. Aunque le parece que esté bien que se intente enmendar la disparidad en estos nuevos comportamientos, prende la alarma para que no se de una falsa ilusión del cierre de la brecha. 

Hoy existe el perfil de “hombre performativo”, aquellos que con la intención de ser atractivos, además de vestir con un atuendo particular –Pantalones anchos, una bolsa de tela al hombro con un muñeco colgando– llevan en la mano un libro de una autora feminista para mostrar afinidad con el movimiento. Pero…

Lo que no se sabe es si en la casa es la mamá o la novia las que se hacen cargo de las labores de cuidado mientras ellos, consciente o inconscientemente, dan por hecho que es el rol femenino. Solo hay un cambio en apariencia. Por lo que, señala el profesor, en esas nuevas masculinidades no habría nada nuevo, por lo menos en lo que se pregona se quiere cambiar.
 

De acuerdo con el ejemplo de Serrano, es una nueva versión de la escena típica del cumpleaños donde el hombre llega con el gran regalo: "El señor aparece como la estrella del asunto mientras que la señora fue la que levantó a la muchachita temprano, la bañó, la llevó, todo lo hizo ella, pero en la foto central es el señor celebrando el cumpleaños”. 

"Hace unos años se puso de moda este tema de la metrosexualidad. David Beckham fue el ícono de estos hombres que se maquillan, que usan objetos cosméticos, que aparecen con otras imágenes. Pues eso fue básicamente súper útil para la industria cosmética. Eso no afectó las relaciones de género” – Jose Fernando Serrano, Director del Departamento de Antropología, Uniandes. 
 

Cerrar la brecha

Aunque en ninguno de los países donde se hace la medición hay paridad, en muchos hay avances y el hecho de que se den estas nuevas expresiones masculinas muestra algún tipo de reflexión. Aún así, hay que seguir abriendo los ojos. 

Deberíamos fijarnos a diario en temas de contratación de personal directivo, de igualdad salarial, qué pasa con permisos de paternidad y el cuidado de los hijos o en el fomento de la educación de las mujeres en áreas de la ciencia. 

El tema del género es algo que todos experimentamos a diario y por eso los comportamientos se normalizan, por lo que necesitan hacerse conscientes y tomar acción para buscar paridad en oportunidades y cargas. Ir más allá del maquillaje “es hacer que eso que en apariencia no merece ser cuestionado, pues cuestionarlo, evidenciarlo, decir: ‘ojo que aquí hay una relación desigual, ojo que aquí hay este privilegio'", concluye Serrano. 

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